Ent-Grenzung und Groteske: Ekel in den performativen Installationen Paul McCarthys

Abstract

Dieser Aufsatz untersucht die unterschiedlichen Formen des Ekels in den performativen Installationen Paul McCarthys. Spätestens mit der Entdeckung des Körpers als künstlerisches Medium und der Ausweitung des Skulptur- und Installationsbegriffs seit Mitte des 20. Jahrhunderts, ist die Emotion des Ekels zum unumgänglichen Bestandteil, aber auch zum Problem in der Kunstwelt geworden. Kaum eine andere Emotion verursacht eine ähnlich starke Ablehnung im Rezipienten wie der Ekel - dem im selben Moment eine latente Anziehung innewohnt. Ekelhafte Kunst wird zensiert, verlacht, vermieden, oder sogar physisch attackiert. So allgegenwärtig der Ekel in der Kunst geworden ist, so schwierig ist der Umgang mit ihm. Der Aufsatz präsentiert einen Überblick über die unterschiedlichen Formen des Ekels und seine Funktionen: der biologischen im Sinne einer Abwehr potentiell schädlicher Substanzen und der sozialen, welche der Definition persönlicher und insbesondere sozialer Identität und Zugehörigkeit dient. Im Anschluss werden anhand von Werken wie Paul McCarthys Piccadilly Circus (2003), Pirate Project (2005), oder WS (2013) die Auslöser für Ekel, Reaktion auf Ekel, und Bedeutung der Emotion in der Kunst analysiert. Als generelles Merkmal lässt sich hierbei eine transgressive Kraft, die Überschreitung von physischen und psychischen Grenzen, welche ekelhafter Kunst innewohnt, ausmachen. Diese Überschreitung wird als Bedrohung der sozialen und persönlichen Identität wahrgenommen und mit Ekel abgewehrt. Mit dem Ekel als gesellschaftskonstituierendem Element bieten McCarthys Arbeiten in einzigartiger Weise die Möglichkeit zur Reflektion über unsere westlichen Werte, Moralvorstellungen und Ideale.

This essay examines the different manifestations of disgust in Paul McCarthy's performative installation works. The discovery of the human body as artistic tool as well as expanding definitions of the genres of sculpture and installation since the mid-20th century have introduced disgust as a ubiquitous ingredient of, but also recurring problem in, contemporary art. A uniquely ambivalent emotion, disgust triggers in us an immediate and forceful bodily and psychological rejection paired with a latent sensation of fascination. Disgusting art—difficult to classify, examine, exhibit, or mediate-is thus censored, ridiculed, shunned, or even physically attacked. The essay will present a survey of the different forms and functions of disgust. Biologically, the emotion prevents us from substances that could be potentially harmful to our system. In its social context, disgust is vital to our definition and sense of social and cultural community, as well as the shaping of our personal and social identities. The transgression of physical and psychological boundaries, which constitutes a recurring element in disgusting art, signifies a threat to our personal and social identities and is thus violently fended off with disgust. Using McCarthy's complex performance and installation works of the last two decades, such as Piccadilly Circus (2003), Pirate Project (2005), or WS (2013), the essay will analyze what triggers disgust, our reactions to it, and its meaning in art. As an emotion that is integral to a functioning society, disgust in McCarthy's work offers a unique way of reflecting on the values, moral standards, and ideals of the Western world.